Fin de semana de la galería de Londres 2023

8 de junio de 2023 • Compartir —

A pesar de las huelgas ferroviarias punitivas que continúan golpeando a la población trabajadora de Londres, se inauguró un regalo de exposiciones en los distritos artísticos de la capital durante el London Gallery Weekend. Con tanto que ver, Artlyst destaca exhibiciones en tres áreas que están, relativamente, a poca distancia a pie.

LUGAR CROMWELL

Comenzamos en Kensington en Cromwell Place, un concepto integral para los amantes del arte, sede de una plétora de excelentes galerías sin un espacio permanente en Londres. El primer artista que nos llamó la atención fue José Cori en Casa AmaCord, una galería especializada en arte latinoamericano. Un elegante conjunto de obras de colores brillantes y meticulosamente dibujadas del artista chileno, titulado The Wild Iris, se extrajo, tanto figurativa como conceptualmente, de una colección de poemas de Louise Gluck del mismo título, publicado en 1992. Los poemas siguen la narrativa. arco de un año en el jardín, que involucra al lector en una conversación sobre cómo plantar y cuidar y cómo nuestra relación con la naturaleza, y el acto de crear, puede aumentar nuestro sentido de asombro. En lugar de palabras, Cori usa el color, la línea y la forma, pero al igual que la poesía, deja una sensación flotante de lo desconocido dentro de sus imágenes: un vacío blanco entre los colores que permite el deslizamiento. La mente aprehende una disolución como si la imagen se estuviera desvaneciendo. Al ver que puede desvanecerse, tratamos de captar su esencia de la misma manera que nos acercamos a la poesía y nos queda un recuerdo igual de poderoso. Un limón, subrayado con ultramar, está sobrenaturalmente iluminado por una lámpara de mesa; dos lirios en flor emergen de un suelo de denso follaje, oscureciendo una figura que se aleja y que podría ser el poeta, el artista o el jardinero. Como explica el galerista Adrien, "José cree que todas las escenas de sus dibujos remiten de una forma u otra a una emoción poética, en la que las cosas se superan a sí mismas, se cruzan y se mezclan con otras, dando la impresión de lo que una definición instantánea logra luego se disuelve o se transforma en otra imagen".

Arriba en Tin Man Art, la artista francesa Marie Elisabeth Merlin nos obsequió con Mondes Hypothetiques. Sus obras gloriosamente luminosas combinan lo observacional con una multitud de personajes imaginarios que podrían ser arquetipos universales (lobos, monos, búhos) y capturan la extraña dualidad de la vida y la tensión entre lo que vemos y lo que nos hace pensar o sentir.

"A menudo hay varias historias en una sola pintura... las sombras proyectadas en el suelo toman una forma que en el acto de pintar se convierte en un personaje. También me interesa cómo la mente sugiere imágenes, como lobos, y qué le sucede a la funcionan cuando insertamos lo imaginado en una escena real". Hay algo poético en este proceso, desarrollando una narrativa entre formas que cautiva por su originalidad y frescura. Sus colores cantan con una riqueza de Gaugin, realzada con notas contemporáneas de rosa neón y amarillo fluorescente. Son poderosamente femeninas, cargadas con una energía desenfrenada que se siente más agudamente a través de la figura repetitiva o una manada de lobos. Simbólica de la feminidad, la familia, la mentalidad de manada y los instintos de supervivencia, su presencia no es amenazante sino atrevida, como si estuviera reclutando al espectador en una revisión de lo que consideramos peligroso en la sociedad, pero también en nuestra propia psique. Por esto, su trabajo es a la vez profético y empoderador; El trabajo de Merlín no rehuye el daño que hemos infligido a la naturaleza, sino que ofrece esperanza: el futuro es algo que podemos reimaginar.

Visite aquí (https://www.tinmanart.com/)

CALLE DE CORCHO/ MAYFAIR

Cork Street y las galerías circundantes en Mayfair (como Dover Street) tienen una gran cantidad de aperturas, pero este fin de semana nuestro descubrimiento destacado fue el artista Tyga Helme en Messums London. In the Wings es un espectáculo que abre las delicadas páginas del proceso del cuaderno de un artista, ofreciendo una rara visión del meticuloso detalle de la observación sostenida. Parte del placer de ver las obras a gran escala de Helme, reunidas en cuadrículas a partir de páginas que representan cada una un momento en el estudio de un seto, un arcén o una maleza, es apreciar cómo una mente puede sintonizarse con los sutiles cambios y ciclos. de nuestro mundo sensible a la luz. A medida que tratamos de entender cómo cada sección encaja tan armoniosamente con la siguiente, comenzamos a ver los patrones de interconexión como una metáfora de la adquisición de conocimiento, que nos lleva a través de las páginas como una vid. "Las áreas desordenadas son las partes emocionantes", dice Tyga, que vive en Wiltshire Downs, donde busca los rincones sin cultivar de los campos o las partes del suelo del bosque para pintar. "Las cosas realmente surgen en un día, y todo cambia constantemente", dice ella. 'La hierba y las zarzas dan paso a los animales; un retoño está allí un día y al siguiente desaparece porque un animal se lo ha comido. Un hongo aparece de repente de la nada. Todo está en relación con todo lo demás.

Ganador del Premio de la Fundación Machin en The Royal Drawing School, Tyga usa la naturaleza como una metáfora de los sentimientos de estar abrumado. Combina la observación minuciosa del frondoso suelo del bosque, donde el verde brillante de una hoja de zarza se cierne sobre el azul frío de las hojas caídas, con la energía compulsiva del crecimiento. "La respuesta meditativa de Helme a los micromundos llama la atención sobre las estructuras subyacentes de la naturaleza y los ecosistemas de los que todos dependemos", dice la Dra. Claudia Milburn, jefa de programación de Messums London. Messums tiene una sólida lista de espectáculos este año, y esperamos con ansias la histórica retrospectiva de Bridget McCrum que se inaugurará en Wiltshire el próximo mes.

LOS FITZROS

Si desea hacer un recorrido a pie por el arte, Eastcastle Street en Fitzrovia es el lugar perfecto para comenzar. Puede comenzar desde PM/AM y Pipeline Gallery, luego pasar por Pilar Corrias y Omni, regresar a Edel Assanti y Gillian Jason Gallery en Great Titchfield Street, antes de pasar a TJ Boulting en Riding House Street, luego FOLD, hasta Brooke Bennington y terminando en Tristan Hoare en 6 Fitzroy Square, ¡solo por nombrar algunos!

La galería PM/AM actualmente exhibe obras de la artista Chidinma Nnoli, una de las que hay que ver, después de su residencia. Anfitriona de un dinámico programa de residencias, la galería se dedica a brindar a los artistas que no tienen acceso a un estudio en Londres la oportunidad de trabajar en este vibrante vecindario y conectarse con su próspera comunidad. Nnoli (n. 1998 Enugu) vive y trabaja en Lagos y recientemente tuvo una exposición individual con entradas agotadas en Marianne Boesky Gallery y The Armory Show NYC. Su trabajo figurativo es misterioso, de enfoque suave y nostálgico, como si perteneciera a un momento olvidado. "Desde 2020, mis obras hacen referencia a mis poemas escritos al final de la adolescencia. Con figuras que posan como pinturas maestras (pero no están limitadas visualmente por un período específico), me interesa crear pinturas que se sientan como un recuerdo borroso pero vívido..." dice Nnoli . Su trabajo está incluido en la próxima exposición colectiva de la galería titulada "¿Y ahora qué?" junto a los artistas Dana James, Shanna Waddell, Cornelius Annor e Isshaq Ismail, y se inaugurará del 8 de junio al 7 de julio.

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Tubería

Al lado se encuentra el encantador Pipeline, una galería conceptual dirigida por Tatiana Cheneviere que funciona como un espacio dividido con un área de exhibición principal y un área cerrada separada. En este último espacio íntimo, presenta a cada artista con una sola obra de arte antes de su exposición. Este primer trabajo es seleccionado por el artista como una especie de clave o ancla para su práctica actual o futuros imaginados, iniciando así una conversación sobre su próximo espectáculo. Nos prepara con elegancia sin estropear la revelación del programa.

William Waterworth: ein tirOcupando todo el espacio de la galería esta vez se encuentra la exposición individual de William Waterworth ein tir, que se traduce como 'nuestra tierra' en galés. En esto, hace una crónica de su nueva serie e identifica obras fundamentales clave, cambiando así el concepto de canalización. En la sala final de la galería, encontramos el mapa mental del artista compuesto por collage y escritura. Como fotogramas de Withnail and I de Bruce Robinson, las imágenes son melancólicas, las anotaciones abrasadoras. Incluye una peregrinación a la casa de Julia Margaret Cameron en la Isla de Wight, la historia de Zissou y la máquina voladora, y el viaje que hace un carpintero a los Alpes inspirado en la novela de Thomas Mann 'La montaña mágica' (1924). Estas expediciones maravillosamente excéntricas cobran vida con una variedad de material de referencia de artistas contribuyentes, incluido el trabajo en video de Joel Kerr y el vestuario diseñado por Edie Ashley instalado en la planta baja.

Mientras tanto, en la galería principal, una selección de fotogramas representan la variedad y la elegancia compositiva de la práctica de Waterworth. Su buen ojo penetrante para ese momento decisivo, su habilidad para usar luces y sombras para la composición. Al frente de la exposición, apartado de la ventana como una instalación escultórica, se encuentra un libro único hecho a mano de 100 grabados inspirado en el libro de imágenes de Guy Bourdin 'Untouched' (2017) y presentado en un atril realizado por Arthur Poujois. El libro es la raíz de la exposición y un indicador del uso que hace Waterworth de la fotografía como medio. No puedo esperar a ver qué hace a continuación y qué tiene reservado Pipeline. https://www.pipelinecontemporary.com/exhibiciones-2-/actual/

edel assanti

Cuando se trata de lo monumental, Edel Assanti toma la delantera en este grupo de galerías. Todavía estoy encantado con el trabajo de Noemi Goudal, cuya proyección de imágenes en movimiento a gran escala, performances en suspensión e instalación cinética 'ANIMA' se exhibe en la Tate Modern del 12 al 14 de julio. Ahora en su galería se encuentra NEOPLAN de Marcin Dudek, que se presenta al mismo tiempo que su exposición individual en Kunsthal Extra City, Amberes, y el lanzamiento de su nueva monografía.

NEOPLAN continúa la serie de "cajas de memoria" de Dudek, instalaciones nacidas de espacios redundantes, aún emblemáticas de la toxicidad racial y de género latente asociada con la construcción de la identidad grupal. Un autobús de aficionados en ruinas de Europa del Este se coloca teatralmente dentro de la galería como si hubiera llegado accidentalmente de otra dimensión. Su lado opuesto se ha eliminado para exponer un interior inspirado en la pintura surrealista del artista polaco Bronislaw Wojciech Linke, Autobus (1959-1961), rebosante de una gran cantidad de espectros de pesadilla e híbridos de objetos humanos. El autobús de Dudek provoca las emociones viscerales y compulsivas asociadas con un viaje hacia la confrontación del día del partido. Los asientos cambian de forma a las terrazas del estadio; el techo está cosido a mano con merchandising de segunda mano, como una bandera. El cubo blanco de la galería realza la ceguera asociada a esta energía, de estar tan concentrado en el destino que uno no está presente. En el piso de la galería, varios asientos sirven como sitios para pequeñas obras cinematográficas, interactuando con tres obras de collage basadas en paredes. De forma esquemática, cada pieza profundiza en las biografías individuales de varios autoproclamados hooligans y matones del fútbol, poniendo rostros a las narrativas exploradas. Estos se componen de elementos del vasto archivo de subculturas de Dudek, recopilados cuando era un miembro adolescente de un club de fanáticos del fútbol de Cracovia notoriamente violento. En la inauguración de la exhibición, Dudek realizó una intervención con una granada de humo de tres minutos, emocionando a la audiencia con un momento organizado de caos tan central en la experiencia del fútbol.

Brooke Benington

Al igual que Pipeline, Brooke Benington es un espacio de presentación dual, donde los artistas presentados en ambas galerías se seleccionan en concierto, pero no se les coloca en una conversación directa. Esto conduce al descubrimiento de relaciones improbables y sugiere cómo se podría fomentar esto en las colecciones. En la sala delantera hay una serie de pinturas intensamente detalladas, nítidamente enfocadas en elementos inverosímiles, titulada Quietismo, de la serbia Ana Milenkovic. A través del medio lento y singular de la pintura al óleo, examina cómo las figuras públicas y culturales que nos representan como sociedad son mitificadas en nuestros medios, lo que en última instancia es una fuente de información fracturada, a menudo extrema o antagónica. En la siguiente sala hay una exposición individual de la artista rumana residente en Londres Catinca Malaimare, 'Astropriest'. Al incorporar performance, escultura, audio y cine, Malaimare explora nuestra relación íntima con las herramientas tecnológicas y el desprecio por las tecnologías obsoletas. Los componentes surrealistas y desconectados de la instalación y la performance juegan con nuestro sentido del tiempo y nos hacen cuestionar el concepto de futurista, que tan rápidamente habita el pasado. Esto se basa en la observación continua del artista de nuestros cementerios mecánicos. En todo esto se filtra una banda sonora, como un fantasma en la máquina. Una narración de audio multicanal se reproduce desde un conjunto de altavoces en los que el Astrosacerdote interpreta el canto de una sirena: gemidos provocados a través de una serie de señales acústicas. Brillante, espeluznante e inquietante, este artista sabe que el sabor del miedo es metálico.

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Tristán Hoare

Ahora se muestra en Tristan Hoare 'Paper', comisariada con Flora Hesketh y Omar Mazhar. Inspirado en la rica historia del papel, inventado en el primer siglo en China, el papel fue una vez una 'nueva' tecnología que reemplazó a todas las demás. Facilitó la preservación y difusión del conocimiento; este material ligero y económico se volvió indispensable, nuestra experiencia de él comunitaria. Se fabrica una amplia gama de papeles a partir de una lista interminable de plantas y árboles, cada uno con su propio aroma, melodía y textura. Se puede manipular de formas extraordinarias; cortado, doblado, quemado, pegado, ensamblado, superpuesto, impreso, pintado, y con frecuencia los artistas son fanáticos al respecto. Las técnicas de la exposición incluyen el collage, el repujado, el plegado, el corte, el quemado, el papel maché y la pasta de papel de colores. Emilie Pugh lleva el papel al límite: estira y luego quema su superficie para crear patrones de espacio negativo. La artista coreana Minjung Kim también quema sus obras; las capas en retroceso de papel Hanji de morera parecen transmitir el proceso de curación, pero también el miedo repetido. Un sentido de lo espiritual se manifiesta en las formaciones de Astha Butail: reflejos de canciones sánscritas invertidas en papel. La serie Endless Prayers de YZ Kami forma mandalas de papel recortado, habla de cuerpos celestes y cuestiona nuestro lugar dentro de lo que no podemos conocer completamente, y Parme Baratier hace su propio papel a partir de las plantas que cultiva. Es un buen espectáculo para completar un día completo de encuentros artísticos.

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Imagen principal: el artista Stewart Geddes, el galerista James Elwes, la artista Marie-Elisabeth Merlin y el artista Stanley Donwood en la inauguración de Tin Man Art, Cromwell Place